Richard Strauss. Vida y metamorfosis de un héroe sónico
El 11 de junio, el mundo celebra el 150 aniversario del nacimiento de Richard Strauss. Y hoy, escuchando sus obras, nos preguntamos cuál fue el drama del destino y la creatividad del gran maestro. ¿Qué fue el gran Strauss y qué le permitió crear tantas obras maestras del arte musical mundial? Hablemos en este artículo.
Richard Strauss (el alemán Richard Strauss, 11 de junio de 1864, Munich, Alemania - 8 de septiembre de 1949, Garmisch-Partenkirchen, Alemania) es conocido por nosotros no solo como un destacado compositor y director sinfónico alemán: numerosos expertos y admiradores de su trabajo reconocen él como un genio, innovador, creador de nuevas formas musicales y dramáticas e imágenes musicales únicas. Richard Strauss dedicó toda su vida al desarrollo de la cultura musical alemana.
La mayoría de sus contemporáneos amaban la música de Strauss, deificando su talento, y los teatros de ópera lucharon por vida o muerte por el derecho a la primera puesta en escena de sus óperas. También hubo quienes no lo aceptaron, lo condenaron, criticaron, ridiculizaron e incluso demonizaron y prohibieron.
El 11 de junio, el mundo celebra el 150 aniversario del nacimiento de Richard Strauss. Y hoy, escuchando sus obras, nos preguntamos: ¿cuál fue el drama del destino y la obra del gran maestro? ¿Cómo fue para él, después de haber vivido los años felices del florecimiento de la Alemania pacífica, en medio de su vida creativa, convertirse en un participante involuntario en la agresión militar del Segundo, y luego del Tercer Reich, encontrándose en un ambiente de degradación moral y caída espiritual de su pueblo? ¿Qué fue el gran Strauss y qué le permitió crear tantas obras maestras del arte musical mundial? Hablemos en este artículo.
QUE ES MAS ALLA DE LA FORMA
Cada pieza musical tiene una forma, y la forma debe corresponder al contenido. En esencia, en el arte armonioso y sano, es el contenido el que elige la forma para su plena expresión adecuada. No de la otra manera. ¿Qué es este contenido? Esta es una pregunta realmente interesante …
La respuesta es simple. El contenido de una pieza musical es una búsqueda interna, un deseo, una falta de su autor. Este no es el deseo de nuestro cuerpo, sino algo más, que está más allá del básico "comer - beber - respirar - dormir" en varias variaciones, un deseo adicional por encima de la naturaleza animal. Este deseo no es material, pero de ahí no se vuelve secundario. Al contrario, el artista, como se suele decir, no puede comer ni dormir hasta que no ha creado su obra.
La búsqueda interna de algo más allá del mundo físico, la búsqueda de la causa raíz de la existencia misma de mi "yo": esta es una aspiración común para un cierto tipo de personas que en la psicología de sistemas vectoriales se denominan propietarios del sonido. vector. Y un regalo especial de los compositores de sonido es la capacidad de fundir esta aspiración en creatividad musical, única en su profundidad y riqueza de contenido.
Estas personas carecen tanto de música que lo hacen todos los días y desarrollan la habilidad de tocar no para ellos mismos, sino para otros. Es significativo que haya muchos menos músicos-intérpretes que aquellos capaces de tocar por sí mismos. ¿Qué significa esto? Sobre el hecho de que para convertirse en compositor, uno no solo debe desear algo más que un simple llenado de su "deseo" físico, es decir, no solo ser un ingeniero de sonido, sino aprender a llevar su búsqueda interior hacia afuera y compartir lo que escuchas en las profundidades del inconsciente con los demás …
Niñez y adolescencia
Desde la infancia, a Richard Strauss le encantaba estudiar y era un estudiante muy diligente. Comenzó a componer a los seis años y llenó una enorme cantidad de partituras, desarrollando su capacidad para componer y grabar música, aunque en esta etapa sus composiciones eran imitativas. Los esfuerzos del niño hicieron feliz a su padre, quien hizo todo lo posible para evitar que su hijo cayera en un prodigio destructivo, pero desarrolló gradual y profundamente su talento en la clave del clasicismo alemán, siguiendo los pasos de Mozart, Haydn, Bach, pero de ninguna manera. el "terrible" Wagner, a quien Franz Strauss odiaba ferozmente.
El famoso trompetista de la época, Franz Strauss, tenía un carácter difícil. Según una serie de descripciones, podemos decir que poseía una combinación de vectores anal-piel, que combinaba el despotismo anal con un deseo cutáneo de estricta disciplina y control. Siempre tuvo su opinión y la expresó no sin agresividad, lo que le valió la aversión de los directores y miembros de la orquesta de la Orquesta de Munich, en la que trabajó toda su vida. La madre de Richard, de una familia de famosos cerveceros Pshor, era una mujer tranquila y gentil con frecuentes episodios de depresión, lo que sugiere que tenía un vector de sonido. Después de todo, son las personas sanas las que caen presas de la depresión.
La educación de Richard fue multifacética. El desarrollo del vector visual no se quedó atrás del desarrollo del sonido: el joven Strauss amaba apasionadamente las bellas artes y estaba muy versado en pintura. Leía mucho y asistía activamente a salas de ópera y conciertos. La única asignatura que no le gustó especialmente fueron las matemáticas. Cuaderno escolar conservado del pequeño Richard sobre el tema con bocetos de un concierto para violín en lugar de ecuaciones. Sin embargo, el futuro compositor todavía tenía un vector de piel: en el futuro, Richard no tendrá problemas ni con los cálculos ni con la economía, las características distintivas del vector de piel. Era solo que contar no era su principal interés: los vectores superiores pedían más.
Si te sumerges en la descripción de su infancia y juventud, es difícil no notar cuán armoniosamente, con el apoyo colectivo de quienes lo rodean, entre los cuales después de la partida de Richard de 19 años a Berlín ya había músicos de la de mayor calibre, el futuro compositor creció y se desarrolló. Gracias a los esfuerzos de sus padres y su entorno, Richard tenía condiciones casi ideales para el desarrollo del ligamento sonoro-visual de los vectores.
En Berlín, Strauss era popular, lo invitaban a todas partes: a cenas en casas bonitas, a los ensayos de la orquesta y al estreno de óperas. Como un paquete de energía juvenil, Strauss a menudo se lanzaba entre un sinfín de proyectos musicales, comenzando negocios con pianistas, violonchelistas, críticos o periodistas. Tenía 20 años, vivía frugalmente, gastaba sabiamente el dinero de sus padres en ópera y conciertos, y sabía exactamente lo que quería.
Richard fue patrocinado por Hans von Bülow, una de las personalidades más brillantes de la historia de la música, un director sinfónico y un pianista asombroso, alumno de Liszt y seguidor de Wagner. La atención de Bülow se centró en las primeras obras de Strauss: "Marcha festiva" y Serenata para 13 vientos en mi bemol mayor. Fue Bülow quien estaba destinado a desempeñar un papel decisivo en la vida de Strauss.
Además, Strauss logró hacerse amigo de Cosima Wagner. La ex esposa de Bülow, Cosima, abandonó a su marido tras haberse enamorado de un hombre que era un dios para el propio Bülow, Richard Wagner. Ella trató al joven Strauss con gran simpatía y lo apoyó como director y compositor.
Durante estos años en Berlín, Richard Strauss se desarrolló como un joven atractivo, obsesionado con la música y muy educado, con un carácter animado, abierto e impulsivo.
Con base en lo anterior, podemos completar el retrato sistémico del compositor. Liderando en el conjunto de vectores de Strauss, por supuesto, fue el vector de sonido dominante. Richard vivía por la música y por la música, ese era su significado, su idea. Los vectores de fondo bien desarrollados le permitieron maniobrar fácilmente en el difícil terreno de la capital alemana. Había suficiente perseverancia anal en él para estudiar y hacer todo con alta profesionalidad, sin importar lo que tomara. Tenía suficiente ambición de piel para construir su carrera musical. El vector visual le permitió no rehuir salir y comunicarse constantemente con la audiencia. Y el alto temperamento hizo posible hacer todo lo anterior con especial pasión y celo.
No pasará mucho tiempo para que un diamante llamado Richard Strauss adquiera todas sus facetas y se transforme en un diamante brillante.
PROPIA MANERA
Antes de mudarse a Berlín, Richard Strauss estuvo bajo la implacable influencia de su padre. Al principio, todavía se conservaba, a través de correspondencia. Pero llegó el momento en que Richard logró salir de su influencia y emprender su propia búsqueda, no sin la influencia de originales y destacadas personalidades, encuentros con los que el destino tan generosamente le dio.
Una de las inspiraciones de Strauss fue Alexander Ritter, un violinista mediocre y un compositor mediocre, pero un hombre culto y culto y un entusiasta seguidor de Wagner. Las ideas y reflexiones filosóficas de Ritter sirvieron de catalizador para una nueva ronda en la búsqueda espiritual y musical de Strauss.
La primera transformación de su mundo interior fue la inevitable conversión en un fanático de la creatividad y las ideas filosóficas de Richard Wagner. Dicen que el amor de Strauss por la ópera Tristán e Isolda fue tan profundo y fuerte que en los últimos años de su vida llevó constantemente su partitura con él como talismán.
El manifiesto musical del joven Richard de una carta a von Bülow sonaba así: “Para crear una obra de arte que sea compatible en espíritu y estructura, que causaría impresiones tangibles para el oyente, el compositor debe pensar en imágenes visuales si quiere para transmitir su idea al oyente. Pero esto sólo es posible si la composición se basa en una idea poética fructífera, independientemente de que el programa la acompañe o no”.
Aquí es donde se ubica el entrelazamiento de enfoques visuales y sonoros para la creación de música, invisible para un investigador no sistémico, que formó la base del trabajo de Strauss y formó el patrón único de sus trabajos. Para explicar la importancia de este plexo, hagámonos un poco a un lado.
Richard Strauss estaba destinado a vivir en una época única: la ruptura de dos épocas históricas entre las fases de desarrollo anal saliente y dérmica entrante. El comienzo de este proceso coincidió con la juventud de Strauss. Por delante todavía estaban las convulsiones fatales de la reaccionaria parte anal de la sociedad, encarnadas en la creación de la idea de una raza superior y conduciendo al asesinato de millones de personas. Aún quedaba por delante una amarga comprensión del horror del surgimiento perfecto y sin precedentes de las ideas del humanismo.
Mientras todo esto aún maduraba en las profundidades del inconsciente colectivo y brotaba con raras puntas de prueba en la superficie de las vidas humanas, una cultura de masas estandarizada para todos nació en las obras de los maestros de arte. Al “llevar” el arte a la gente vistiéndolo con formas visuales accesibles a la mayoría de la sociedad, compositores como Richard Strauss contribuyeron a la creación de una cultura de masas.
CREACIÓN
Richard Strauss, como un verdadero dermatólogo, era un fanático absoluto de la música. Estaba aterrorizado por no trabajar. Componer música y actuar fueron la razón de ser de su vida.
En la primera etapa de su trabajo, Strauss, influenciado por las ideas de Wagner, creó varios poemas sinfónicos vívidos, donde la transformación del lenguaje musical para crear series visuales vívidas se convirtió tanto en un objetivo como en un medio. El lenguaje armónico capaz, la melodía característica, la orquestación deslumbrante permitieron al espectador ver el mundo a través de los ojos del personaje principal de la obra.
El heroísmo del espíritu, la energía increíble, la poesía musical más sutil de los sentimientos, todo esto arrastró al oyente con una avalancha, sin darle oportunidad de permanecer indiferente. Tanto un solo de violín como un tema de danza escritos al estilo del vals vienés podrían resultar elegantemente poéticos para Strauss. Un sentimiento de belleza y armonía de la vida, el patetismo romántico del heroísmo, la presencia femenina, la franqueza intrépida de los impulsos sexuales impregnaron literalmente sus obras.
Como el más perfecto de ellos, se puede destacar el poema "Don Juan", que, para orgullo de Strauss, dividió el mundo de sus oyentes en ardientes admiradores y no menos ardientes oponentes. Hoy en día se ha copiado más de una melodía cinematográfica de los deliciosos temas de Don Juan. Es a Richard Strauss a quien deberíamos estar agradecidos por los brillantes éxitos de las películas de Disney y Hollywood.
Muy diferentes fueron los poemas sinfónicos "Muerte e Ilustración" y "Así dijo Zaratustra", que reflejaban la búsqueda sonora del maestro. En ellos, el centro de atención de Strauss no era la bulliciosa vida física y las valientes payasadas de los héroes, sino la búsqueda interior y el deseo de conocerse a uno mismo.
Muerte e Ilustración (1888-1889) es un poema de extraordinaria belleza, que encarna el sonido del estado de una persona gravemente enferma y profundamente sufriente, atormentada por la pregunta de cuál es el significado de todo lo que llamamos vida. Intenta resolver el enigma de la vida resolviendo el enigma de la muerte.
El poema refleja una búsqueda interna, pero, por supuesto, no puede dar una respuesta. La autoconciencia, la correcta concentración del pensamiento es el trabajo individual de cada uno como partícula de la sociedad, que nadie puede realizar por otro. La tarea del compositor es despertar estas preguntas en el oyente.
La primera frase mundialmente famosa del poema Así dijo Zaratustra (1896):
A partir de los treinta años, Strauss comenzó a mostrar un gran interés por escribir óperas. En 1894 creó la ópera Guntram. Es significativo que, inicialmente siguiendo la influencia de Ritter, Strauss se retiró repentinamente incluso de su cosmovisión recién adquirida y de un solo golpe se volvió más a la izquierda que su mentor izquierdista. El personaje principal de la ópera no sigue la trama original y en lugar de entregarse voluntariamente al tribunal religioso por el asesinato de un villano en el final, se lanza a una búsqueda moral y busca una respuesta a lo que ha hecho solo en su conciencia.. Desafortunadamente, el público e incluso Ritter, volando en alas de ideas progresistas, no estaban preparados para tal giro de los acontecimientos. Estaban indignados por la renuencia de Strauss a entregar a su héroe a merced de la ley. La ópera fracasó y la posición moral de Strauss fue rechazada. Por un momento…
La segunda ópera, Falta de fuego, escrita en 1901, fue un intento de abordar el tema más universal de que la mujer es el centro del ser y la fuerza impulsora del hombre. Strauss abordó este tema desde el exterior, lo que también impidió el crecimiento de la popularidad de esta ópera. Para sorpresa sincera de muchos contemporáneos, el principal representante de la élite aristocrática de esa época reconoció la ópera como obscena y no digna de atención.
La música de aquella época, que intentaba consolidar la posición del romanticismo clásico (La reina de espadas de Tchaikovsky, 1890; Sinfonía de Novy Svet de Dvořák, 1893; Verdi Falstaff, 1893), seguía siendo fiel a las tradiciones. Sin embargo, a lo largo de todo el frente musical, los cambios ya eran visibles. Las sinfonías de Mahler, las canciones a los versos de Baudelaire y La tarde de un fauno de Debussy ya hablaban la lengua poswagneriana.
En un esfuerzo por desentrañar la fuente de los deseos humanos y su significado, los compositores demostraron un deseo por el colorido embriagador, se retiraron al mundo de los sueños y comenzaron a usar la sexualidad en el arte. Todo esto se puede rastrear en las obras de Strauss. Pudo expresar en vivo contraste en la música los apasionantes temas de la existencia humana: seducción y desobediencia, principios masculinos y femeninos, vida y muerte, sexo y asesinato.
"SALOMÉ"
Jokanaan, el profeta religioso, está encarcelado en el palacio de Herodes. Una adolescente de 15 años, hija de la esposa de Herodes, Salomé, se enamora del profeta. Él la rechaza. Salomé baila la danza de los Siete Velos para Herodes. Satisfecho con la danza de Salomé, Herodes le promete que cumplirá todos sus deseos. Salomé pregunta por la cabeza de Jokanaan. Herodes se ve obligado a ejecutar al profeta. Cuando la cabeza de Jokanaan se lleva a la niña, ella expresa abiertamente su amor por el elegido muerto. Esto es confuso e impactante para los testigos. Salomé muere.
La ópera Salomé se representó por primera vez en Dresde. Fue prohibido en Viena y se vio obligado a retirarlo durante una proyección en el Metropolitan Opera de Nueva York. El 16 de mayo de 1906, Salomé se representó en la ciudad austriaca de Graz. Entre los espectadores estaban Mahler, Berg, Schoenberg, Puccini, Zemlinsky, la viuda de Johann Strauss y muchos otros. Numerosos amantes de la ópera e incluso cabezas coronadas asistieron a esta actuación. Incluso el personaje de ficción Adrian Leverkühn, el héroe de la novela Doctor Faustus de Thomas Mann, estaba allí junto con Adolf Hitler de 17 años …
La ópera fue un éxito rotundo. A pesar de la provocadora ambigüedad, había algo en esta música que no dejaba indiferente a nadie. La audacia con la que el autor abordó temas previamente prohibidos conmocionó tanto al público como al tema de la ópera en sí. El público de esa época vio el escándalo en el libertinaje de la corte del rey Herodes, el comportamiento desenfrenado de la princesa Salomé y, al final de la ópera, en la fea escena de la nigromancia y el triunfo francamente sexual de la loca Salomé sobre Jokanaan.
¿Cómo vemos esta ópera hoy?
Una niña de 15 años vive en el palacio de su padrastro Herodes, quien la acosa a pesar de la cercanía de su madre. Salomé conoce a Jokanaan, a quien llaman un famoso profeta de la ópera. Strauss no era religioso y sabía que no retrataba a Jokanaan de la mejor manera para un profeta. Su carácter resultó ser limitado y poco espiritual. Jokanaan despertó en Salomé un apasionado deseo de amor.
Esto no fue de ninguna manera el estallido romántico de sentimientos de una niña ingenua que desea la bendición del hombre de Dios, como Lord Chamberlain insistió en mostrar esto antes de la producción de ópera en Londres en 1910. Para Salomé, este amor fue el resultado de una repentina comprensión de que "el misterio del amor es más grande que el misterio de la muerte". Su franco monólogo operístico final con la cabeza de Jokanaan, bautizado como "nigromancia", termina con las hipnotizantes palabras:
¡Y! Besé tu boca, Jokanaan, besé tu boca.
Había un sabor acre en tus labios. ¿Sabía a sangre? …
Quizás este sea el sabor del amor. Dicen que el amor tiene un sabor picante.
Pero aún. No importa. Besé tu boca, Jokanaan, besé tu boca.
Han pasado unos cuarenta años desde la primera producción de "Tristan" de Wagner. En el final de Tristán, Isolda también "irradia amor" sobre el cuerpo del Tristán muerto. Pero entre las dos finales, Tristan y Salomé, hay un abismo. En el primer caso, la trágica pareja no pudo darse cuenta de su relación debido a las normas sociales: en el ámbito del conservadurismo anal, una mujer casada no puede ser feliz con el mejor amigo de su esposo, incluso si él decidió noblemente brindarles esta oportunidad.
En "Salomé" la tragedia de un plan diferente: es una lucha mortal por la satisfacción de sus deseos, lo que demuestra la disposición de una persona a utilizar cualquier medio en el camino hacia la meta. Y no en vano el personaje principal es una niña. Ella es como la encarnación de una nueva generación con un mayor deseo de recibir, con un enorme, aún más complicado malentendido mental y completo de sí misma, la pérdida de las pautas morales.
A lo largo de su vida, Strauss buscó el libreto perfecto para la ópera perfecta. Escribió 15 óperas y su búsqueda creativa en este género fue inusualmente amplia. "Chevalier of the Roses" - una ópera cómica, una de las más queridas por el público, fue concebida por Strauss como una comedia musical con rasgos de parodia. El guión fue escrito por un brillante libretista llamado Hoffmannsthal como una estilización de las obras del siglo XVIII y en particular de las óperas de Mozart. Los anacronismos se permitieron deliberadamente en la música: mezclar las melodías de los viejos tiempos con los valses vieneses de los siglos XIX y XX.
A primera vista, la ópera, de contenido ligero, incluye al personaje principal Marshalsha, una mujer brillante y atractiva, una alta posición en la sociedad, el Conde Octavian, un joven de 17 años enamorado de Marshalsha, Sophie, la novia de Primo de Marshalsha. Durante el transcurso de la ópera, Octavian se enamora de la joven Sophie. En el último acto, suena el famoso trío, donde Marshalsha rechaza a Octavian y lo convence de vincular su vida con Sophie. La parte de Octavio fue escrita para mezzosoprano, en la tradición de la ópera del siglo XVIII. La ópera está impregnada de detalles de graciosa frivolidad. El personaje del mariscal fue especialmente exitoso para Strauss, y consideró a este personaje como una de sus mejores creaciones.
Si Strauss escribió poemas sinfónicos con trazos visuales brillantes, en un cambio rápido como la piel de pequeños episodios y varios personajes, entonces en sus óperas se basó principalmente en los valores del vector anal y a menudo eligió temas del pasado, incluso el pasado antiguo para ellos. Por ejemplo, en una ópera como Electra, el núcleo emocional es el resentimiento anal y la sed de venganza, destructivo tanto para el objeto como para el sujeto de lo que está sucediendo.
En el "Caballero de las rosas", el tema de una belleza de treinta años "envejecida", que pierde o entrega voluntariamente a un joven amante a su compañero, evoca un sentimiento de genuina tristeza, aunque Marshalsha no es una de las que sucumbir a la tristeza. Sobre todo, encontrará un reemplazo digno para Octavian y será olvidada en la nueva novela. De una forma u otra, el último trío suena como un episodio inolvidable de despedida del amor, y la leve tristeza y belleza de la música no esconden la verdadera tragedia de este momento para una encantadora mujer que es consciente de la inevitabilidad del paso de hora.
GUERRA
"Metamorfosis, o Concierto para 23 cuerdas" es una de las últimas obras de Strauss, iniciada en 1943, cuando fue destruida la Ópera de Munich, con la que estuvo relacionada casi toda su vida. Las Metamorfosis se completaron dos años después, en 1945, tras el incendio y destrucción de la Ópera de Viena, tras el bárbaro y estratégicamente insensato bombardeo de Dresde.
La música de la obra está impregnada de dolor por la agonizante cultura alemana. La obra utiliza citas de Tristán e Isolda de Wagner, un tema de la última ópera de Strauss, Arabella, y un tema de la marcha fúnebre de la Sinfonía heroica de Ludwig van Beethoven. En la partitura, este tema va acompañado de las palabras "inmemoriam".
Los musicólogos llevan mucho tiempo discutiendo sobre a quién está dedicada esta obra. Resultó que en los últimos años, Strauss estudió las obras de Goethe para comprender las raíces del mal en el hombre, responsable de eventos tan terribles como la guerra. Durante la guerra, Strauss tuvo que pasar por muchas cosas. Su nuera, esposa de su único hijo y madre de dos nietos, era una mujer de origen judío. Con el fin de salvar las vidas de estas personas muy queridas para él, Strauss sirvió durante algún tiempo como Ministro de Cultura en el Tercer Reich, donde fue nombrado sin consultarlo con él.
Strauss no cumplió con este papel durante mucho tiempo, ya que se negó a eliminar el nombre del libretista Stefan Zweig, que se encontraba en el exilio por su nacionalidad, del programa de su nueva ópera Mujer silenciosa. Pronto, la Gestapo interceptó una carta abierta de Strauss a Zweig, donde escribió sobre su desprecio por los nazis. Strauss fue destituido con urgencia de su cargo y probablemente habría sido asesinado si no fuera por su fama y autoridad mundial. Su hijo y su nuera fueron secuestrados una vez por la Gestapo y pasaron varios días en prisión, hasta que Strauss regresó con urgencia de su gira para solicitar su liberación.
Sus nietos, cuando tuvieron que ir a la escuela durante la guerra, fueron atacados e intimidados por los vecinos del lugar. Fueron escupidos e intimidados. Después de la guerra, Strauss fue juzgado en relación con su trabajo para el Tercer Reich antes de la guerra y fue totalmente absuelto. Después de la guerra, su popularidad se recuperó. Una vez, al cruzar la frontera entre Francia y Suiza para recibir tratamiento en un sanatorio suizo, Strauss olvidó todos los documentos. Los guardias fronterizos franceses lo reconocieron, lo saludaron con respeto y lo dejaron cruzar la frontera, a pesar de la falta de pasaporte.
CONCLUSIÓN
Richard Strauss vivió una vida larga y exitosa. Sobrevivió a dos guerras mundiales, y su obra y algunas de sus acciones siguen siendo contradictorias interpretadas por musicólogos e historiadores.
Por ejemplo, el creador de la música de 12 tonos, Arnold Schoenberg, dijo una vez: "¡Nunca he sido un revolucionario, Strauss fue el único revolucionario en nuestro tiempo!" Pero ese no fue el caso. Richard Strauss no fue un revolucionario que abrió el camino y mostró el camino hacia el futuro, sino que fue el eslabón final de la cadena de grandes románticos.
La larga e inusual carrera musical de Strauss terminó con las ingeniosas Four Last Songs. Después de una vida realmente bien vivida en estas canciones, superó a todos en la capacidad de mirar a la muerte a los ojos sin miedo. Así, en la divina belleza de estas canciones, el último romántico alemán Richard Strauss completó su viaje terrenal y su búsqueda sonora.
