Inteligencia al cuadrado: espacio negro del pensamiento abstracto. Parte 3
Todo el camino creativo de Malevich es un poderoso deseo sonoro de romper el borde de la realidad física. El intelecto abstracto empujó al artista a una búsqueda profunda, al deseo de ir detrás de la pantalla de lo visible y lo tangible, de penetrar en la esencia de las cosas …
Fin de la pintura: blanco y negro. Parte 1
Cuadrado negro: ¿Creer o saber? Parte 2
En 1927, Kazimir Malevich llevó alrededor de un centenar de sus obras a una exposición personal en Varsovia y luego a Berlín. De repente, el artista fue llamado a la URSS. Las obras dejadas en Berlín, no pudo retomar, ya que se vio restringido a viajar al extranjero. Sin embargo, él mismo pronto los repitió. Entonces, hay al menos cuatro versiones del cuadrado negro.
Antes, la imagen siempre significaba el original. Sin embargo, Kazimir Malevich, escribiendo "Cuadrado negro" abolió la singularidad como una cualidad integral de una obra de arte.
Y esto era inaudito. La imagen que se está reproduciendo es otra paradoja, otra invención del genio sónico de Malevich. Otra de sus profecías.
Escuche el futuro. Pintura - en circulación
A día de hoy, no nos sorprende para nada la oportunidad de fotografiar cualquier obra de arte en un teléfono móvil, enviarla al otro extremo del mundo en un segundo e imprimir allí prácticamente sin pérdida de calidad. A principios del siglo XX, nadie pensó siquiera que los medios técnicos de reproducción y las tecnologías digitales posteriores para crear imágenes que reproducen infinitamente obras de arte abolirían su singularidad.
Tradicionalmente, el encuentro con una obra de arte era una experiencia sagrada especial para el espectador. Ver una pintura significaba ver su original con mis propios ojos. La reproducción técnica de la pintura fue extremadamente difícil. Hacer copias a mano no requería menos habilidad que el autor y era imposible en grandes cantidades. La fotografía y los medios de reproducción técnica apenas comenzaban a emerger.
La naturaleza del trazo, las características de la elaboración de la superficie pintada, los matices coloristas inherentes a este o aquel artista, crearon un aura especial de la obra de arte.
Nuestra actitud hacia una pintura tradicional siempre se asemeja a nuestra actitud hacia un icono u otro tema de un culto religioso: la percibimos sin críticas, porque tiene un estatus sagrado.
Black Square de Malevich fue una obra de un formato nuevo, casi desprovisto de singularidad. La obra, al perder su aura de autenticidad, también pierde su estado sagrado: una especie de actitud especial del espectador hacia ella, reverencia, reverencia.
La reproducción y cualquier trabajo de producción no tienen este aura. Cosas no únicas llenan y crean nuestra vida. No los guardamos cuando una cosa se desgasta, la reemplazamos fácilmente por otra. No estamos separados de la obra impresa por un capullo de percepción especial, nos sentimos en igualdad de condiciones con ellos. Por lo tanto, admitimos plenamente la crítica de tales trabajos. No criticaremos a Mona Lisa, incluso si no nos gusta la imagen en absoluto, pero bien podemos criticar la imagen de la portada del libro.
Es esta facilidad de reproducción de las obras suprematistas de Malevich lo que pone al espectador al mismo nivel que el artista, destruyendo el capullo del estatus especial de la pintura.
Y a finales del siglo XX - principios del siglo XXI, incluso el cuerpo humano dejará de ser único: las tecnologías celulares permitirán el crecimiento artificial de órganos de donantes, crear y reemplazar fragmentos de tejido corporal. Casi cien años antes de estos hechos, Malevich supuestamente declaró con su cuadro "Cuadrado negro": lo único que no se presta a la clonación es el espíritu humano, el pensamiento del artista.
Directo al futuro. Cuadrado negro en tu casa
Cuanta más circulación tenga una obra, más cerca estará del espectador y más fuerte será su influencia en el espectador. Al pasar de la pieza a la producción, la obra pierde su carácter sagrado, pero gana una influencia masiva.
Las grandes circulaciones te permiten estar en contacto con una gran cantidad de espectadores y tener un impacto tremendo. Tal cobertura no era posible en los viejos tiempos para la imagen tradicional. Una obra impresa, interactuando con una persona aquí y allá, se actualiza constantemente. El aura, la atmósfera especial que tenía la pintura, se ha perdido, pero el poder del impacto aumenta muchas veces.
Así, gracias a la aparición del "Cuadrado Negro", la circulación se convierte en un nuevo principio de comunicación. A partir de ese momento, todos los principales géneros artísticos afectan al espectador en masa. La cinematografía y la televisión se están convirtiendo en las más importantes.
La comunicación de masas es necesaria para crear coherencia y afinidad. La coherencia, como sistema nervioso unificado, permite que el organismo-sociedad funcione sin problemas sin dificultad, intercambie información al instante y no cree conflictos internos. Las comunicaciones de masas se están convirtiendo en una alternativa al culto religioso. Se unen, educan, explican, difunden instantáneamente la noticia, lo cual es muy importante para un país enorme. Las tecnologías de comunicación de masas -imágenes impresas y diseños industriales replicados, tecnologías de la televisión, la radio y el cine- recibieron un poderoso impulso de desarrollo precisamente entonces, en las primeras décadas del siglo XX. Así es como el contemporáneo de Malevich, el poeta, dramaturgo, pensador y culturólogo de vanguardia Velimir Khlebnikov, interpreta el fenómeno de las comunicaciones de masas en su ensayo-utopía "Radio del futuro":
“La radio ha resuelto un problema que la iglesia misma no resolvió, y se ha vuelto tan necesaria para todos los pueblos como ahora es una escuela o una sala de lectura.
La tarea de unir el alma única de la humanidad, la única ola espiritual diaria que recorre el país todos los días, regando por completo el país con una lluvia de noticias científicas y artísticas, esta tarea fue resuelta por Radio con la ayuda de un rayo. En los enormes libros de sombras de los pueblos, Radio ha impreso hoy la historia de un escritor favorito, un artículo sobre grados fraccionarios del espacio, descripciones de vuelos y noticias de países vecinos. Todo el mundo lee lo que le gusta. Este libro, el mismo para todo el país, está en cada pueblo, para siempre en el círculo de lectores, estrictamente mecanografiado, sala de lectura silenciosa en los pueblos.
Los argumentos de Khlebnikov sobre la radio, que crearían una ola de ideas afines, se convertirían en un libro común en el que "todo el mundo lee lo que le gusta", por supuesto, es idealista. La radio como canal mediático sin duda unido, creó un espacio de información común, pero aún no aportó el grado de implicación que el poeta soñaba. Sin embargo, unos sesenta años después, cuando apareció la computadora en todos los hogares, Internet se convirtió en un "libro".
Velimir Khlebnikov previó su aparición. Al igual que Kazimir Malevich, con su "Cuadrado negro", predijo la era de las pantallas negras de los dispositivos electrónicos, que permiten difundir, reproducir y almacenar imágenes de forma ilimitada y gratuita.
Cada uno en su propio campo, artistas, escritores, inventores, ingenieros de principios del siglo XX, crearon un gran avance cultural y científico, una revolución de la conciencia. Pero la vida de toda la sociedad cambia solo cuando los descubrimientos e invenciones conciernen a todos. Es por eso que todas las figuras brillantes de esa época prestaban tanta atención a la solución de los problemas cotidianos, uno de los criterios para el éxito era la máxima sencillez y disponibilidad de reproducción. Se han convertido en un nuevo credo creativo.
Entonces, por ejemplo, Varvara Stepanova creó bocetos de ropa cotidiana y festiva de moda, que cualquier mujer podría crear para sí misma en media hora a partir de paños de cocina comunes. Alexander Rodchenko, Lazar Lissitsky, junto con Vladimir Mayakovsky, hicieron carteles publicitarios para bienes y servicios. Mayakovsky escribió eslóganes publicitarios, y los artistas crearon una línea visual para ellos, resultó brillante, mordaz y ferviente. Poesía y pintura: dos géneros de élite y altos aparecieron en las calles de la ciudad y en los hogares de la gente común.
Hasta ahora, en San Petersburgo, en las tiendas de la Fábrica de Porcelana Lomonosov, se puede comprar un servicio suprematista desarrollado por Malevich y sus alumnos en la década de 1920.
No solo la actitud hacia las obras de arte, su percepción, sino también el papel del artista está cambiando gradualmente. Un diseñador no es un artesano que crea piezas únicas, sino un ingeniero, un diseñador. Crea sistemas y diseños replicables. Influye masivamente en la conciencia de las personas con color y forma, determina su vida y entorno. Esto es lo que alguna vez soñó Kazimir Malevich.
La esencia de la pintura no está en el lienzo y el marco, ni siquiera en la imagen del objeto, así como la esencia del hombre no está en la carne. El pensamiento del artista es más importante que la habilidad y la forma de reproducción. El arte puede y debe ser accesible, reproducible y generalizado. Fue sobre la base de estos requisitos previos, basados en los desarrollos de Malevich y sus asociados en el campo de la composición formal, que comenzó a surgir una nueva práctica sociocultural, que hoy llamamos diseño.
El cosmos de la realidad sonora. Entrar en suprematismo abierto
En 1903, Konstantin Tsiolkovsky publicó la primera parte del artículo "Exploración de los espacios del mundo mediante dispositivos a reacción", donde fue el primero en fundamentar la posibilidad de vuelos en el espacio solar. En este y otros trabajos posteriores, el científico sentó las bases de la cosmonáutica teórica. Su idea era viajar por el espacio vacío en un jet de propulsión.
El propietario del vector de sonido, el artista Kazimir Malevich, por supuesto, se interesó por su investigación.
A principios del siglo XX, la astronáutica práctica aún no existía y se sabía poco sobre el espacio. El primer vuelo lo realizó Yuri Gagarin solo el 12 de abril de 1961.
Pero ya en 1916, Kazimir Malevich escribió composiciones suprematistas, en las que por primera vez en la historia del arte expresa el estado de ingravidez estructural y composicionalmente a través de una imagen visual. El artista supuestamente abolió la fuerza de gravedad y entró en el suprematismo abierto.
Cualquier pintura es una reproducción de la experiencia sensorial de la realidad. Un artista talentoso es aquel que lo hace con seguridad. La composición de la imagen, al igual que una persona, tiene una parte superior e inferior, lados izquierdo y derecho. Los elementos de la imagen en nuestra percepción se ven afectados por la fuerza de gravedad de la misma manera que en los objetos reales de la vida.
Nuestra percepción se ajusta a la gravedad. Cualquier artista adivina sobre estas distorsiones sensoriales de la percepción. Por ejemplo, una forma ubicada exactamente en el centro geométrico de la hoja será percibida ópticamente ligeramente por debajo del centro por el ojo humano. Nuestra percepción agrega gravedad a nuestros sentidos. Esta ley universal organiza el espacio compositivo de cualquier pintura.
Y en las composiciones suprematistas de Kazimir Malevich no hay arriba y abajo, derecha e izquierda. Las formas parecen flotar o colgar en la ingravidez. El espacio parece expandirse y aplanarse y se asemeja a una vista superior.
Un sistema de composición de este tipo apareció por primera vez. Muchas de las composiciones de Malevich se pueden voltear y no perderán nada. Además, el mismo Malevich, comenzando a rotar su famoso "Cuadrado Negro", notó que en la percepción primero se convierte en una cruz y luego en un círculo. Así apareció un tríptico: cuadrado negro, cruz negra, círculo negro. Tres formas primarias de suprematismo.
El "cuadrado negro" se convirtió no sólo en la primera forma de suprematismo, sino también en el átomo de la pintura. Malevich resaltó la esencia de cualquier imagen con esta imagen. Muchos años después, con el advenimiento de la tecnología digital, todas las imágenes comenzaron a consistir en muchos segmentos de forma cuadrada: píxeles, átomos de imágenes digitales. "Cuadrado negro" es el primer píxel, cero formas. La primera idea sobre la estructura segmentaria de la imagen que vive en el cuadrado negro del monitor, al otro lado de la realidad adicional de Internet.
El propósito de la música es el silencio
“El propósito de la música es el silencio” está escrito en la primera hoja del cuaderno de Kazimir Malevich, fechada en 1923. Este año el artista publicó su último manifiesto "Suprematist Mirror", en el que equiparaba todos los fenómenos del mundo a cero.
“No hay ningún ser ni dentro ni fuera de mí, nada puede cambiar nada, ya que no hay nada que pueda cambiar, y no hay nada que pueda cambiar.
La esencia de las diferencias. El mundo como ausencia de objeto”.
Un análogo gráfico de esta declaración fueron dos lienzos en blanco mostrados por el artista en Petrogrado en la "Exposición de pinturas de artistas de todas las direcciones 1918-1923" en la primavera de mil novecientos veintitrés. Las pinturas fueron nombradas de la misma manera que el manifiesto "Espejo Suprematista".
Curiosamente, casi quince años antes, Nikolai Kulbin, amigo, colega y mecenas de Malevich, figura activa en el nuevo arte de la época, escribió el folleto Free Music, en el que, varios años antes que los compositores futuristas italianos, negaba la sistema de doce tonos. Kulbin es el autor del concepto de música sin temperamento, música de cuarto de tono y música ambiental.
Kulbin creía que la música de la naturaleza es libre en la elección de sonidos: luz, trueno, ruido del viento, salpicaduras de agua, canto de pájaros. Por lo tanto, un compositor que escribe en el género de la música libre no debe "limitarse a tonos y semitonos". "Utiliza cuartos de tono, pulpos y música con una elección libre de sonidos". La música libre debe basarse en las mismas leyes que la música de la naturaleza. La principal cualidad de la música de cuartos de tono fue la formación de combinaciones inusuales de sonidos, armonías, acordes, disonancias con sus resoluciones y melodías. Estas combinaciones de sonidos en la escala se denominan "disonancias cercanas", su sonido es completamente diferente de las disonancias ordinarias. Kulbin creía que esto aumenta enormemente las habilidades expresivas de la música, la capacidad de materializarse.
Un poco más tarde, el futurista italiano Luigi Russolo expresó ideas similares en el manifiesto "El arte de los ruidos".
Varias décadas después, el filósofo, poeta y compositor estadounidense John Cage compondrá su famosa composición en tres partes "4'33", que será presentada por primera vez por el pianista David Tudor en el Concierto Benéfico organizado en apoyo del arte contemporáneo en Woodstock. en 1900 quincuagésimo segundo año. Durante el sondeo de la obra, no se reprodujo ni un solo sonido. El silencio se prolongó durante tres períodos de tiempo, correspondientes a las tres partes de la composición. Luego, haciendo una reverencia, los músicos se fueron y la sala explotó …
En nuestro tiempo, ni la música del silencio ni la música de ruido sorprende a nadie. Los instrumentos digitales le permiten grabar, crear y mezclar sonidos libremente, editarlos, por ejemplo, eliminar el ruido. La música electrónica, sin un solo sonido "en vivo", que recuerda a cualquier instrumento real, al principio se convirtió en una dirección musical separada y completa, y luego toda la música se convirtió en cierta medida en electrónica, es decir, se digitalizó.
Siempre a nuestro lado
Todo el camino creativo de Malevich es un poderoso deseo sonoro de romper el borde de la realidad física. El intelecto abstracto empujó al artista a una búsqueda profunda, al deseo de ir detrás de la pantalla de lo visible y tangible, de penetrar en la esencia de las cosas.
¿Cómo cambiará subjetivamente la percepción del color, por ejemplo, el amarillo, si se aplica a diferentes formas geométricas: un círculo, un triángulo, un cuadrado? Cómo los colores incoloros (acromáticos) afectan a este color: ¿por qué el amarillo se apaga sobre un fondo blanco y se ilumina con fuerza sobre el negro? ¿Cómo afecta el ritmo y el tamaño de la mancha de pintura a la sensación subjetiva de calidez y frialdad del color? Este tipo de preguntas interesó a Malevich como investigador.
Kazimir Malevich cambió para siempre no solo el arte, sino también nuestra vida. Su pintura es una fórmula. Fórmula de expresividad donde la imagen se puede retirar. No hay imagen, pero hay expresividad.
El surgimiento del "Cuadrado Negro" ha cambiado nuestra vida y nuestra conciencia.
Diseño industrial, diseño gráfico, diseño de moda, diseño medioambiental: tantas tendencias, tantos nombres brillantes. Hoy, desde hace mucho tiempo nadie se sorprende por las formas abstractas de color con las que los diseñadores llenan nuestra realidad. Un círculo azul que resulta ser una lámpara. ¡El gran rectángulo rojo es un botón en la pantalla! Las formas abstractas se han convertido en parte de nuestro mundo.
Todo esto podría no haber sucedido si Kazimir Malevich no hubiera escrito una sola vez "Cuadrado negro" y no hubiera liberado la forma y el color de los dictados de una imagen visual.
