Fin de la pintura: blanco y negro. Parte 1
De repente, el artista cubrió la composición de color con un cuadrilátero negro, luego comenzó a escribir todas las formas una tras otra hasta que quedó un solo cuadrado negro en el lienzo. La fuerza de influencia de la proporción exacta de tamaño y color fue tan grande que se puso extremadamente agitado y durante una semana entera no pudo comer ni dormir …
El pájaro sale del huevo. El huevo es el mundo. Quien quiera nacer
debe destruir el mundo. El pájaro vuela hacia Dios.
Hermann Hesse, "Demian"
Fin de la pintura
El suprematismo es un concierto donde el arte mundial se unió para morir.
N. Punin
En el verano de 1915, Kazimir Severinovich Malevich trabajó en el telón de fondo de la ópera Victoria sobre el sol.
Esta ópera suprematista de Alexei Kruchenykh, Mikhail Matyushin y Kazimir Malevich habló sobre el grupo "Budelyan", que se propuso conquistar una estrella lejana. El libreto utilizó un lenguaje inexistente inventado por los autores. La música se basó en la disonancia y el cromatismo. Malevich trabajó en vestuario y decorados.
¿Qué se puede representar en la escenografía de una ópera en un idioma inexistente? El sol es blanco y redondo, y puede ser derrotado por su opuesto exacto: algo negro y cuadrado.
De repente, el artista cubrió la composición de color con un cuadrilátero negro, luego comenzó a escribir todas las formas una tras otra hasta que quedó un solo cuadrado negro en el lienzo. La fuerza de la proporción exacta de tamaño y color fue tan grande que se puso extremadamente agitado y no pudo comer ni dormir durante toda una semana. Este cuadrado negro sobre lienzo blanco tenía una forma de color increíble. Malevich se dio cuenta de que había creado algo nuevo, algo después de lo cual la pintura nunca volvería a ser la misma.
Unos meses más tarde, se inauguró en San Petersburgo una exposición titulada "La última exposición futurista de pinturas" 0.10 ". "0" significaba cero objetividad, el fin del futurismo y el comienzo del suprematismo, "10" - el número estimado de participantes. Malevich estaba entre ellos. En la esquina roja, sobre todos los lienzos, donde tradicionalmente se ubicaba el ícono en las chozas rusas, colgaba el "Cuadrado Negro". "Square" fue inmediatamente apodado un icono de la nueva era.
Entre "sonido" y "vista". ¿Impactante o conceptualidad?
Hasta el día de hoy, muchos acusan a Malevich de esforzarse por hacerse famoso en el escándalo. De hecho, a primera vista, tal exposición de la imagen parece impactante. Pero si observa de cerca lo que determinó la psíquica del artista, queda claro qué deseos latentes moldearon realmente su obra.
Kazimir Malevich fue un polimorfo con una doble inteligencia abstracto-figurativa, de la que son responsables los vectores sonoros y visuales. Sin embargo, el vector de sonido es dominante y el más grande en términos de volumen de deseos. Para una persona así, una idea significativa se siente como un valor absoluto. El significado para él es Dios.
Cualquier cosa que haga un ingeniero de sonido desarrollado, siempre lo hará en nombre de una idea. Fama, atención, honorarios: todo esto parece pequeño e insignificante en comparación con lo que dedicó su vida.
Impactante es una de las manifestaciones del vector visual. Esto sucede cuando un potencial emocional naturalmente alto no se desarrolla y luego se materializa en actividades útiles para la sociedad. En esencia, impactar es la manipulación de la atención, captando la atención de la audiencia utilizando técnicas prohibidas.
Sin embargo, es imposible culpar a Malevich por el subdesarrollo o la implementación insuficiente. Incluso antes de escribir The Black Square, era un maestro consumado, tenía un excelente dominio de la forma académica de escribir y podía crear fácilmente cualquier imagen que evocara emociones sin recurrir a medidas extremas.
Creó algo sin precedentes: una paradoja, una imagen sin imagen. Pero no porque no pudiera hacer otra cosa. Ese era el punto, la idea.
¿Cómo mostrar esta imagen para que el espectador piense, se detenga, cambie el paradigma de percepción? La conciencia excluye del campo visual todo aquello que no reconocemos como imagen. El espectador percibe imágenes no identificadas como "ruido" en el canal de comunicación, como un punto ciego. El espectador simplemente no desperdiciará energía en la visualización si el mensaje le parece insignificante.
El cuadrado negro es el manifiesto. Malevich utilizó la demostración enfatizada en su ubicación para sacar al espectador del escenario habitual y automático de percepción. Dota a su trabajo de matices adicionales de significado, lo hace conceptual. Parece decirle al espectador: "Mira, pronto será tu santuario".
Y así sucedió. Todo el rápido desarrollo de la humanidad en el siglo XX tuvo lugar bajo la bandera cuadrada de la inteligencia abstracta.
Fui crucificado con palabrotas …
"La última exposición futurista" 0.10 " convirtió el mundo del arte. Audaz, impactante e incomprensible, tal impresión que causó en sus contemporáneos. Sin embargo, incluso entre los artistas, muchos no entendieron cómo evaluar este fenómeno. Una oleada de críticas cayó sobre Malevich.
“Fui crucificado con palabrotas…” - así comienza uno de sus poemas de 1916.
Parecería que el artista escribió un cuadro y escribió, en el arte del siglo XX, y no sucedió así. Sin embargo, han pasado más de cien años y el debate sobre el cuadrado negro no se detiene.
De hecho, el lienzo de Malevich es menos parecido a la pintura tradicional: ¿qué es este cuadro que no representa nada?
La escritora, publicista y crítica literaria rusa Tatiana Tolstaya en su ensayo "Cuadrado" sí sugiere que Malevich vendió su alma al diablo, por lo que le otorgó fama eterna e influencia absoluta en el arte y la cultura.
Nos guste Black Square o no, ahora vivimos en un mundo postcuadrado. "Square" ha tenido un gran impacto en la cultura e incluso en la ciencia.
La guillotina de su plano negro, de un solo golpe, dividió la cultura en dos: un mundo precuadrado y un mundo postcuadrado. Y al mismo tiempo, bendijo la vida con muchos fenómenos nuevos. El diseño, la fotografía, la cinematografía, etc. nacieron en el mundo postcuadrado.
No es necesario amar el cuadrado negro, pero es peligroso no entenderlo hoy, como ser analfabeto en una gran ciudad. Él es el ABC del lenguaje visual moderno.
No es nada difícil comprender esta paradoja del arte del siglo XX si se mira la pintura a través del prisma del conocimiento de la formación "Psicología sistema-vector".
¿Qué es pintar?
La pintura es producto de la medida visual, la inteligencia figurativa.
La base de la tradición pictórica anterior a Malevich siempre estuvo formada por la imagen y la trama. Han sido la carne y la sangre de la pintura desde sus inicios, desde las primeras pinturas rupestres del hombre primitivo.
Una imagen es un conjunto de características inherentes a un objeto o fenómeno y un capullo asociativo a su alrededor. Una imagen puede expresarse, por ejemplo, mediante una palabra en un texto o una imagen en pintura, escultura, danza.
La imagen es un instrumento de captación instantánea. Es una capsula. Un artista o escritor comprime una gran cantidad de información en una forma simple. La cápsula de la imagen se abre dentro de la conciencia del perceptor y agrega esos detalles que no estaban realmente en la imagen o el texto, pero que podrían haber estado.
Yuri Lotman, crítico literario, culturólogo y semiótico soviético y ruso, llamó la atención sobre esta característica. Dijo que una imagen artística es capaz de generar nuevos significados por sí misma.
La trama (o trama) es el contexto, las circunstancias en las que existen las imágenes en la obra. Este es el principal conflicto dramático que da tensión y expresión a una obra de arte. En la pintura y la cinematografía, esta tensión a menudo crea un contraste: un fondo colorido dinámico, mucha gente corre y grita, y en primer plano hay una gran figura monocromática estática de una persona con un rostro impenetrable.
El estatus sagrado de la pintura y la tradición pictórica
La imagen es diferente a la imagen. ¿Que? Por su estatus especial. Una pintura es algo que cuelga de la pared, una pintura particularmente valiosa en un museo. Una visita a la exposición no es solo un paseo, es un ritual. Toda esta atmósfera sagrada asegura la confianza incondicional del espectador en lo que está pintado en el cuadro.
Ocurrió así porque la pintura se originó a partir de un fresco. El fresco de la Edad Media presentó los temas bíblicos a los analfabetos. Tenía que mostrar el contenido de las Sagradas Escrituras con la mayor precisión posible, ya que quienes no podían leer la fuente original confiaban en sus imágenes. La pintura heredó el estatus sagrado del fresco y la credibilidad del mismo.
La tradición de la pintura europea comienza con el artista proto-renacentista Giotto di Bondone (1266-1337). Giotto es el creador del lenguaje tradicional de la pintura europea. Excelente artista y excelente psicólogo, se permitió por primera vez la interpretación del autor, repensando la imagen y la trama. Llena sus frescos con los detalles y tipos más precisos, espiados en la vida. Fue gracias a Giotto que todos los artistas tuvieron la oportunidad de lanzar a veces en sus corazones: "¡Pero yo soy un artista, lo veo así!"
Esta tradición pictórica fue inquebrantable hasta finales del siglo XIX, cuando aparecieron los impresionistas, luego los postimpresionistas, cubistas, etc. Sin embargo, incluso la diversidad de corrientes artísticas de finales del siglo XIX y principios del XX se conectó como un cordón umbilical. con el lenguaje pictórico de Giotto por la presencia de una imagen o trama. Esta imagen podría recrearse en arcilla, como en la de Cézanne, cortada en pequeños trozos y ensamblada de nuevo en un orden aleatorio: la nariz en una parte del cuadro, el ojo en la otra, como en Picasso. Pero siempre lo ha sido, aunque en forma destruida.
Bajo Pedro I, Rusia adoptó la tradición artística europea y se desarrolló en ella con cierto retraso hasta finales del siglo XIX y principios del XX. No teníamos impresionismo ni cubismo, pero a principios del siglo XX aparecieron muchos artistas interesantes y originales que sacudieron la rigidez de las tradiciones. Esta es la asociación de arte "World of Art" encabezada por Alexander Benois, "Jack of Diamonds" con Konchalovsky, Mashkov, Larionov, Lentulov. "Futuristas": hermanos David y Vladimir Burliuk, Natalia Goncharova y otros Kazimir Malevich también comenzó a crear con futuristas.
¿Por qué un cuadrado es la muerte de la pintura?
Entonces, la pintura, a partir del siglo XIII en todo el mundo, es una imagen y una trama. Se cree en una imagen pictórica porque es sagrada. Y esperan de él una historia, una historia, una narración con la interpretación del autor de las imágenes del artista.
Y en Rusia en 1915, en el espacio expositivo, en la "esquina roja", en un lugar enfáticamente sagrado, ¡aparece un cuadro que no representa nada!
Explosión de conciencia. Ni siquiera es una provocación, es un sabotaje. El acto de destruir la cultura, "todo amor y ternura".
¿Cómo fue que Kazimir Malevich, un artista corriente, entonces todavía futurista, pudiera hacer esto conscientemente?
La formación de Yuri Burlan en "Psicología de vectores de sistemas" distingue entre dos tipos de inteligencia: figurativa y abstracta. Corresponden a los vectores visual y sonoro …
Lea la continuación en los artículos "Cuadrado negro": ¿Creer o saber? Parte 2 e Inteligencia al cuadrado: el cosmos negro del pensamiento abstracto. Parte 3
